Baile de musica disco

Baile de musica disco

Historia del baile de la discoteca

La música disco es un género de música de baile y una subcultura que surgió en la década de 1970 en la escena nocturna urbana de Estados Unidos. Su sonido se caracteriza por ritmos de cuatro en fondo, líneas de bajo sincopadas, secciones de cuerda, vientos, piano eléctrico, sintetizadores y guitarras rítmicas eléctricas.

La música disco comenzó como una mezcla de música de los locales populares entre los italoamericanos, los hispanoamericanos y latinos y los negros americanos[2] en Filadelfia y Nueva York a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970. La música disco puede considerarse una reacción de la contracultura de los años sesenta tanto al dominio de la música rock como a la estigmatización de la música de baile de la época. Durante el periodo de popularidad de la música disco en Estados Unidos se desarrollaron varios estilos de baile, como el “Bump” y el “Hustle”.

En el verano de 1964, un vestido corto sin mangas llamado “vestido de discoteca” fue brevemente muy popular en Estados Unidos. El primer uso conocido de la forma abreviada “disco” describía este vestido y se ha encontrado en The Salt Lake Tribune el 12 de julio de 1964, la revista Playboy lo utilizó en septiembre del mismo año para describir las discotecas de Los Ángeles[11].

Música disco dance 2022

Recuerdo la primera vez que escuché una canción de Italo Disco, fue en un casete que solía escuchar durante un verano muy húmedo a finales de los 80. El sonido robótico del bajo sintético, el ritmo de 4/4 y la melodía melancólica en general me atrajeron emocionalmente a este tipo de sonido; en palabras más sencillas, era agradable a la vez que sombrío. Después me olvidé del Italo Disco durante algunos años, hasta que me topé con este disco en 2006. ¡Qué sonido tan contemporáneo! En ese momento me di cuenta de lo que había provocado mi curiosidad por el Italo Disco cuando era niño: la repetición mecánica del sonido, unida y ligada a una bella melodía. Tal vez éste sea el secreto del Italo Disco, la unión y el equilibrio perfectos entre la Naturaleza y la Naturaleza, entre el hombre (melodía) y la máquina (sintetizadores), entre el cerebro (palabras) y el cuerpo (música de baile)… He trabajado en el tema durante años y, sin embargo, sigo cuestionando la naturaleza esencial del Italo Disco. Cada vez que me acerco a él me pierdo en sus miles de recovecos, sus múltiples hechos y su naturaleza polimorfa.

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La música siempre ha sido una especie de lenguaje para protestar y escapar de la realidad. El blues fue el sonido con el que la comunidad afroamericana mostró la desesperación y la injusticia social en la segunda mitad del siglo XIX. Del mismo modo, el Jazz fue un catalizador del cambio político y social a lo largo de su historia, con letras y tempos que desafiaban los florecientes movimientos por los derechos civiles que definieron la década de 1950. El Rock and Roll de los 70 fue la revolución cultural que manifestó la ira hacia la guerra de Vietnam y su consiguiente crisis económica.

Electrodisco

Este periodo de la música de baile se caracterizó a menudo por un sonido electrónico emergente que prepararía el camino para el siguiente cambio en la historia de la música de baile moderna y sentaría las bases de la nueva era moderna en la música de baile y en la música popular en general.    Las canciones de este periodo suelen estar compuestas por varias capas de sintetizadores y pistas de batería programadas.    A menudo se incorporaban algunos sonidos de instrumentos en vivo, como la guitarra y las trompetas, ya que los sintetizadores de finales de la década de 1970 podían recrear los sonidos de las cuerdas orquestales (y, por lo tanto, las orquestas se sustituían a menudo por secciones de cuerda sintetizadas), pero los sintetizadores de este periodo aún no eran capaces de recrear con éxito los sonidos de la guitarra y/o las trompetas.

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Una reacción contra la música Disco (liderada por el DJ radiofónico de Chicago Steve Dahl) haría que las emisoras de radio y los principales sellos discográficos retiraran su apoyo a la música dance.    Además de los artistas mencionados a continuación, Parliament Funkadelic, Prince y Gloria Gaynor fueron artistas importantes de este periodo.

Corazón de cristal

David Burton no trabaja, asesora, posee acciones ni recibe financiación de ninguna empresa u organización que pueda beneficiarse de este artículo, y no ha revelado ninguna afiliación relevante más allá de su nombramiento académico.

Parte del éxito continuado de Beyoncé consiste en tomar muestras de una amplia gama de artistas a lo largo de la historia para crear capas y nuevos significados. Lo ha hecho repetidamente como una forma de mostrar a los artistas africanos, y en Renaissance rinde especial homenaje a la música house y disco, y especialmente a su historia queer.

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De hecho, todo el álbum está dedicado a su difunto tío gay Johnny. “Fue mi madrina y la primera persona que me expuso a mucha de la música y la cultura que sirven de inspiración para este álbum”, escribió Beyonce.

El primer sencillo del álbum, Break My Soul, incluye dos muestras clave y créditos de composición. La primera es de la artista de Nueva Orleans Big Freedia, que ya apareció en Formation de Beyoncé en 2016. El segundo es de Show Me Love, de Robin S., una canción que tipifica el género house que creció a partir de los 80 y se convirtió en mainstream en los 90.

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